Tempo

 

Il Sussurro delle Nuvole

Il Tempo è forse il più enigmatico dei concetti umani, una forza invisibile eppure onnipresente che modella ogni aspetto della nostra esistenza. È il ticchettio inesorabile dell'orologio, il mutare delle stagioni, il ricordo di ciò che è stato e l'attesa di ciò che sarà. Con la mia raffigurazione intitolata semplicemente "Tempo", ho voluto catturare non tanto la sua misurazione lineare, quanto piuttosto la sua essenza fluida, la sua natura cangiante e la sua capacità di generare bellezza e cambiamento.

A un primo sguardo, il quadro evoca immediatamente un paesaggio celeste, un cielo vasto e dinamico. Le pennellate ampie e mosse, soprattutto nella parte superiore, suggeriscono il movimento di nuvole, dense e stratificate, che si trasformano continuamente. I colori predominanti sono tonalità di rosa, arancio e bianco, che si fondono e si separano, creando un'atmosfera che può richiamare un'alba o un tramonto particolarmente vivido, oppure la quiete tempestosa di un cielo carico di promesse o di ricordi. Questo dinamismo cromatico è la prima chiave di lettura del "Tempo": esso non è mai statico, ma un flusso incessante di trasformazione.

La parte inferiore del quadro, con i suoi toni più scuri di blu profondo e grigio, potrebbe rappresentare la terra o un corpo d'acqua, riflettendo o assorbendo la luce e il movimento del cielo. La fusione tra queste due sezioni suggerisce una connessione indissolubile: il tempo che scorre sul piano celeste si manifesta e si riflette sulla nostra realtà terrena. È un promemoria che, per quanto le nostre vite siano ancorate alla materialità, siamo costantemente influenzati dalle forze invisibili che ci sovrastano e ci attraversano.

I "moti" dipinti sulla tela – le striature, le sfumature, le intersezioni di colore – sono la rappresentazione visiva dei "moti" del Tempo. Sono le onde che si formano e si disfano, i cicli che si susseguono, le esperienze che si accavallano l'una sull'altra. Non c'è una forma definita o un punto focale statico; tutto è in movimento, tutto è transitorio, esattamente come la natura del Tempo stesso. Questa fluidità invita l'osservatore a riflettere sulla propria relazione con il passare dei giorni, degli anni: ci lasciamo trasportare dalle sue correnti, o cerchiamo di opporci al suo inesorabile scorrere?

"Tempo" non è una raffigurazione di un istante, ma dell'eterna transizione. Ci invita a considerare come i momenti si susseguono, come le emozioni mutano e come le circostanze evolvono. È un'esplorazione del significato di vivere nel presente, pur essendo consapevoli del passato che ci ha plasmato e del futuro che ci attende. Il quadro suggerisce una contemplazione passiva e attiva del Tempo: lo guardiamo mentre si manifesta, ma ne siamo anche parte integrante, agenti e ricettori della sua incessante danza.

In definitiva, "Tempo" è una meditazione visiva sulla natura effimera eppure potente dell'esistenza. Ci ricorda che, sebbene non possiamo fermare lo scorrere del tempo, possiamo scegliere come viverlo, come interpretare le sue nuvole cangianti e come accogliere i suoi riflessi sul nostro cammino. È un invito a trovare bellezza nel cambiamento, serenità nella transitorietà e ispirazione nel flusso continuo della vita.

~Mia.

Gender

 

Oltre il Visibile, L'Essenza Fluida dell'Identità

Il concetto di "gender" è oggi più che mai al centro di un dibattito complesso e sfaccettato. Va ben oltre la semplice distinzione biologica, addentrandosi nelle profondità dell'identità personale, della percezione di sé e del modo in cui ognuno si posiziona nel mondo. Con la mia raffigurazione intitolata "Gender", ho cercato di dare forma a questa complessità, esplorando la fluidità e la natura intrinseca di un aspetto così fondamentale dell'essere umano.

A un primo sguardo, il quadro cattura l'attenzione con un elemento centrale scuro, quasi un vuoto o un abisso, circondato da un'aura luminosa e vibrante di blu e azzurro, che sfuma in tonalità più calde e terrose sullo sfondo. Questo nucleo scuro può essere interpretato come il mistero dell'identità, il profondo e intimo sentire di sé che non è immediatamente visibile o definibile dall'esterno. È lo spazio interiore dove l'individuo elabora la propria percezione, spesso al di là delle etichette e delle aspettative sociali.

L'anello di luce, un blu elettrico che si irradia dal centro, suggerisce l'energia e la vitalità di questa identità che cerca di emergere. Non è un contorno netto, ma un'aura che si fonde e si confonde con le pennellate circostanti. Questo evoca la natura dinamica del gender: non è una categoria fissa, ma un'esperienza in continua evoluzione per molti, una scoperta progressiva di ciò che si è e di come ci si sente. Le diverse sfumature di blu e azzurro possono simboleggiare l'ampio spettro delle identità di genere, ciascuna con le sue unicità e le sue sfumature.

Lo sfondo del quadro, con le sue striature orizzontali e verticali in tonalità che vanno dal rosso-arancio al marrone, e poi al grigio e al bianco, crea un contrasto significativo. Queste linee e colori possono rappresentare il mondo esterno, le strutture sociali, le convenzioni e le aspettative che spesso tentano di incasellare l'individuo. La fluidità delle pennellate suggerisce però che anche queste "strutture" non sono rigide, ma possono essere influenzate, attraversate, o persino ridefinite dall'emergere delle identità individuali. È un paesaggio in costante movimento, come il dibattito e la comprensione sociale del gender.

"Gender" è un invito a guardare oltre le apparenze e le categorizzazioni superficiali. Ci spinge a considerare l'identità non come un'etichetta predefinita, ma come un viaggio personale, intimo e spesso invisibile agli occhi degli altri. Il nucleo oscuro al centro non è un vuoto da temere, ma uno spazio sacro di autenticità, protetto e illuminato dalla propria verità interiore.

L'opera celebra la diversità e la complessità dell'esperienza umana. In un mondo che sta imparando a riconoscere e celebrare un numero sempre maggiore di identità, questo quadro si propone come una meditazione visiva sulla bellezza di ciò che è "non-binario" nel senso più ampio del termine – la capacità di esistere al di là delle definizioni prestabilite, di esprimere la propria essenza in modi nuovi e autentici. È un inno alla libertà di essere, alla forza di esistere pienamente nella propria verità, indipendentemente dalle convenzioni. Ci ricorda che l'identità è un'arte in sé, una creazione continua che merita rispetto, comprensione e celebrazione in tutte le sue infinite, meravigliose sfumature.

~Mia.

Colori per fare il Venerdì

 

L'Armonia Vibrante dell'Attesa e della Gioia

Il venerdì è più di un semplice giorno della settimana; è una promessa, un sospiro di sollievo che precede il riposo e la libertà del fine settimana. È il giorno in cui l'energia della fatica settimanale si mescola con l'anticipazione della leggerezza imminente. È questa sensazione di transizione, di attesa gioiosa e di liberazione, che ho cercato di catturare nella mia raffigurazione intitolata "Colori per fare il Venerdì".

A un primo sguardo, il quadro si presenta come un'esplosione di geometrie e tonalità calde e vivaci. Le grandi fasce orizzontali e verticali, intersecate da linee nere nette, creano una composizione astratta che suggerisce dinamismo e struttura allo stesso tempo. Non è un paesaggio, ma un'emozione tradotta in forme e colori, un'istantanea visiva di quel particolare stato d'animo che solo il venerdì sa regalare.

Le tonalità predominanti sono il rosso acceso, l'arancio vibrante e il giallo solare. Questi colori sono intrinsecamente legati all'energia, alla passione, alla gioia e alla positività. Il rosso può richiamare la vitalità, l'arancio l'entusiasmo, e il giallo la luce, l'ottimismo, la carica positiva che si inizia a percepire al termine della settimana lavorativa. Sono i "colori" dell'eccitazione, della speranza che si fa concreta.

Il blu petrolio o verde scuro, che attraversa la parte centrale del quadro, introduce un elemento di contrasto. Potrebbe simboleggiare la persistenza degli impegni, le ultime ore di lavoro che ancora ci tengono ancorati alla routine. Ma anche questo blu non è freddo e statico; è attraversato da pennellate che suggeriscono movimento e transizione, quasi a indicare che anche le ultime resistenze si stanno sciogliendo, aprendo la strada alla liberazione.

Le linee nere, nette e decise, non sono barriere, ma piuttosto elementi strutturali che definiscono e contengono l'esuberanza dei colori. Potrebbero rappresentare la routine, gli schemi, le discipline che scandiscono la settimana, ma che al venerdì si preparano a sciogliersi. Oppure, sono come i margini di un calendario, o le intersezioni delle nostre vite, che si incontrano e si trasformano in un'armonia vibrante.

"Colori per fare il Venerdì" è un'ode all'attesa e alla liberazione. Il quadro cattura quel momento quasi magico in cui si sente l'energia scivolare via dalle spalle, e si inizia a respirare l'aria del fine settimana. È una rappresentazione della gioia che non è ancora esplosa completamente, ma che è lì, in nuce, pronta a manifestarsi.

L'opera ci invita a celebrare i piccoli momenti di transizione, a riconoscere la bellezza nell'anticipazione. Ci ricorda che anche la fine di un ciclo (la settimana lavorativa) può essere un momento di grande energia positiva e di preparazione a qualcosa di migliore. È un invito a riempire i nostri "venerdì" di colori, di attese positive, di gratitudine per il lavoro svolto e di entusiasmo per il tempo libero che ci aspetta. Che sia un pomeriggio di riposo, un incontro con gli amici o l'inizio di un viaggio, il "venerdì" è la tela su cui iniziamo a dipingere il nostro tempo libero con le tonalità più brillanti dell'anima.

~Mia.

Stella

Succede a volte di piangere

proprio del cuore

come fosse una terribile fine,

ragioni di vita, esperienze.

Esiste poi un posto

dove la felicità imposta

non arriva più 

e piangi proprio dal cuore

per permetterle di raggiungerti lì.

Oltre la Felicità Imposta: Riflessioni sulla mia poesia "Stelle"

Nel mio percorso artistico, che si snoda tra il colore sulla tela e il peso delle parole, ci sono temi che ritornano, urgenze che bussano con insistenza alla porta della mia coscienza. Uno di questi è il concetto di vulnerabilità, e il suo rapporto quasi paradossale con la felicità. Da questa riflessione è nata una delle mie poesie più intime, intitolata "Stelle".

A una prima lettura, potrebbe sembrare una poesia sulla tristezza. E in parte lo è. Ma il suo cuore pulsante, il suo messaggio più profondo, non è il pianto in sé, ma la sua funzione trasformativa.

Il Pianto che Viene "Proprio dal Cuore"

La poesia si apre con un'immagine potente: "Succede a volte di piangere / proprio del cuore". Non è un pianto superficiale, non sono le lacrime di un capriccio passeggero. È un pianto viscerale, che sgorga dal centro esatto del nostro essere, dal luogo in cui accumuliamo "ragioni di vita, esperienze". È il pianto che arriva quando il peso del vissuto diventa insostenibile, quando sentiamo che qualcosa dentro di noi ha raggiunto un punto di rottura, "come fosse una terribile fine".

Tutti conosciamo questa sensazione. È un momento di resa totale, in cui le maschere cadono e ci troviamo nudi di fronte al nostro stesso dolore. È un'esperienza che ci spaventa, perché la nostra società ci insegna a essere forti, a resistere, a "pensare positivo". Ma cosa succede se, per una volta, smettiamo di resistere?

Il Rifugio dalla "Felicità Imposta"

Qui si innesta il concetto chiave della poesia: "Esiste poi un posto / dove la felicità imposta / non arriva più". Cos'è la "felicità imposta"? È il sorriso forzato che indossiamo per non preoccupare gli altri. È la pressione dei social media che ci vogliono sempre performanti, vincenti, in vacanza. È l'idea che la tristezza sia un fallimento da nascondere a ogni costo.

Il "posto" di cui parlo nella poesia non è un luogo fisico. È uno stato interiore, un santuario dell'anima. È il punto di massima onestà con noi stessi. È il momento in cui ci diamo il permesso di essere fragili, di essere "sbagliati", di essere semplicemente umani. In questo spazio sacro, le aspettative esterne non hanno più potere. La felicità fasulla, quella da copertina, non può raggiungerlo perché è un luogo troppo autentico per lei.

Piangere per Fare Spazio

Ed è qui che avviene la magia, il paradosso: "...e piangi proprio dal cuore / per permetterle di raggiungerti lì". Il pianto non è più una fine, ma un inizio. Diventa un atto di purificazione, un modo per fare pulizia, per svuotare il cuore da tutto ciò che lo opprime. È come se le nostre lacrime lavassero via la patina della finzione, creando uno spazio vuoto, fertile.

E solo in quello spazio pulito e sincero, la vera felicità – non quella "imposta", ma quella autentica, silenziosa e gentile – può trovare la strada per raggiungerci. Non è una felicità che urla, ma una che sussurra. Non è una conquista, ma un accogliere. Il pianto diventa l'invito, la porta che apriamo per farla entrare.

Ma perché il titolo "Stelle"?

Forse vi sarete chiesti perché una poesia sul pianto si intitoli "Stelle", una parola che non compare mai nel testo. Le stelle hanno questa meravigliosa caratteristica: sono visibili solo nel buio. Non possiamo ammirare la loro luce tremolante in un cielo di mezzogiorno. Abbiamo bisogno dell'oscurità della notte per percepirne la bellezza e la vastità.

Allo stesso modo, la felicità autentica, la speranza, la nostra luce interiore – le nostre "stelle" – spesso possono essere viste solo quando ci concediamo di attraversare il nostro buio personale. Quel pianto che viene dal cuore è la nostra notte dell'anima, il buio necessario che ci permette, infine, di tornare a vedere le stelle.

Questa poesia è un invito ad abbracciare la nostra intera gamma di emozioni, a onorare il nostro dolore come un passo necessario nel cammino verso una gioia più vera e profonda.

~Mia.

Riflesso

 

Tra Luce e Frammenti d'Anima

C'è un momento, nel processo creativo, in cui un'opera smette di essere solo colore e materia e inizia a respirare, a raccontare una storia. Per me, quel momento è arrivato con questo quadro, a cui ho dato il titolo di "Riflesso". Oggi voglio portarvi con me nell'analisi di questo quadro astratto, per esplorare i sentieri di pensiero e le emozioni che si nascondono dietro le sue pennellate dense e frammentate.

Guardando l'opera, la prima sensazione è quella di un'energia quasi turbolenta. Un caos controllato di blu profondi, rossi infuocati e squarci di luce bianca. La tecnica, una pittura materica ottenuta forse con una spatola più che con un pennello, crea una superficie tridimensionale, quasi una scultura su tela che invita non solo a guardare, ma anche a toccare con gli occhi. Ma cosa significa "Riflesso"? Il titolo è la chiave per aprire le porte di questo paesaggio enigmatico.

La lettura più immediata è quella di un paesaggio naturale. Possiamo immaginare una grande roccia scura, o un iceberg, che emerge da un'acqua increspata. I tocchi di colore, simili a puntini di luce, potrebbero essere il riflesso del sole (quel grande cerchio bianco e luminoso in alto a destra) o delle stelle sulla superficie dell'acqua. I rossi e i blu che si scontrano nel cielo e nell'acqua raccontano di un momento preciso della giornata: forse un'alba o un tramonto, quando il cielo si tinge di colori caldi ma l'ombra della sera o della notte (il blu e il nero) è ancora dominante.

È un paesaggio astratto, non una rappresentazione fedele, ma l'essenza di un'emozione provata di fronte alla natura. È il freddo dell'acqua, il calore della luce, il peso della terra.

Ma c'è un secondo, più profondo, livello di lettura. "Riflesso" non è solo un fenomeno ottico, è anche sinonimo di introspezione, di pensiero. E se questo quadro fosse il riflesso di un paesaggio interiore?

In quest'ottica, la grande massa scura e frammentata al centro non è più una roccia, ma il nostro Io. Un Io complesso, fatto di spigoli, di parti luminose e di abissi oscuri, tenuto insieme a fatica ma solido. Le striature di colore che lo attraversano sono le esperienze, le cicatrici, i ricordi. La psicologia del colore qui è fondamentale: il blu rappresenta la parte più riflessiva, malinconica e profonda, mentre il rosso è la passione, la rabbia, l'energia vitale. Queste due forze sono in perenne dialogo, a volte in lotta, come accade dentro ognuno di noi.

Quel sole bianco diventa allora un'idea, un barlume di speranza, un momento di chiarezza che illumina il nostro caos interiore. L'intero quadro diventa una mappa delle nostre emozioni, un'esplorazione che lega indissolubilmente arte e psicologia.

La creazione di "Riflesso" è stata un processo istintivo. Ho iniziato stendendo i blu e i neri, creando una base profonda e scura. Sentivo il bisogno di rappresentare un peso, una densità. Poi, con la spatola, ho iniziato a "ferire" quella superficie, a graffiarla, facendo emergere i rossi da sotto, come se stessi scavando per trovare un'energia nascosta. I piccoli punti di colore, quasi un mosaico, sono arrivati per ultimi, come una pioggia di luce che porta quiete dopo la tempesta.

~Mia.

Fermi

Arrabatto per riuscire a tenermi qualcosa

in un tempo che spiazza anche se già non ci sei più

ti osservo andare via

e mi chiedo perché scavarsi affondo

al punto di non realizzare il solco ormai creato

se dopotutto male non c’ era,

ridicola percezione.

La guerra è signora come la morte

in effetti ieri è stata una difficile giornata

lavoravo sul male 

tentando di non distruggere ho dipinto un quadro,

e tu sei parte spensierata della mia vita

tra i ricordi più belli che ho

i tuoi occhi fermi.

Rifugio dal Dolore

Ci sono momenti nella vita in cui il tempo si deforma. Un'assenza può diventare così presente da disorientare ogni gesto, ogni pensiero. È da questo spazio sospeso, da questo "tempo che spiazza", che nasce la mia poesia "Fermi". È un testo che parla di perdita, di una battaglia interiore, ma soprattutto del ruolo vitale che l'arte assume quando si cerca di non andare in pezzi.

La Battaglia Interiore e la Percezione del Dolore

La poesia si apre con un verbo fisico, quasi disperato: "Arrabatto". È lo sforzo di chi annaspa, di chi cerca un appiglio nel caos di un'assenza. La persona a cui ci si rivolge non c'è più, eppure la sua dipartita è un evento continuo ("ti osservo andare via"). Questo introduce uno dei temi centrali: la difficile elaborazione del lutto.

Il testo esplora poi il labirinto mentale del dolore: il chiedersi "perché scavarsi affondo", il non riconoscere la profondità della propria ferita ("il solco ormai creato"). La frase "se dopotutto male non c’era, ridicola percezione" è un pugno nello stomaco. Racconta di come, a volte, la nostra stessa mente tenti di sminuire il nostro dolore, di giudicarlo sproporzionato, ridicolo. Ma il dolore non risponde alla logica, e questa lotta interiore è una vera e propria guerra.

L'Arte come Terapia: "Tentando di non Distruggere ho Dipinto un Quadro"

"La guerra è signora come la morte". Con questo verso, il sentimento personale viene elevato a una condizione universale. La sofferenza interiore è totalizzante, assoluta. E in questa guerra, l'energia distruttiva deve trovare una via d'uscita.

Qui si manifesta il potere dell'arte come terapia. La frase "lavoravo sul male / tentando di non distruggere ho dipinto un quadro" è il cuore pulsante della poesia. È una dichiarazione potentissima. L'atto del dipingere non è un semplice passatempo, ma un'alternativa consapevole all'autodistruzione. È un modo per prendere "il male", quell'energia nera e caotica, e incanalarla in qualcosa di costruttivo. La tela diventa il campo di battaglia dove la guerra può essere combattuta senza annientare chi la vive. È la trasformazione alchemica del dolore in bellezza, della distruzione in creazione. Questo processo mostra come la pittura e le emozioni siano legate in un dialogo vitale e necessario.

L'Ancora della Memoria: "I Tuoi Occhi Fermi"

Dopo la tempesta della guerra interiore e la catarsi della pittura, il tono della poesia cambia. Si apre uno squarcio di luce serena. L'assenza, prima così dolorosa, si trasforma in un ricordo prezioso: "e tu sei parte spensierata della mia vita / tra i ricordi più belli che ho".

E qui, finalmente, si svela il significato della poesia e del suo titolo, "Fermi". In tutto questo caos, in questo arrabattarsi, l'unico punto fermo, l'unica cosa a cui aggrapparsi, è un'immagine: "i tuoi occhi fermi". Quello sguardo rappresenta la stabilità, la pace, un amore che non vacilla neanche nel ricordo. È l'àncora che permette alla nave di non andare alla deriva. Nonostante il "tempo che spiazza", quel ricordo è immobile, saldo. È il "qualcosa" che il poeta, all'inizio, si sforzava di tenersi.

~Mia.

Guerra

 

Conflitto Interiore ed Esteriore

Ci sono opere che nascono per accarezzare l'anima e altre che nascono per scuoterla. Il mio quadro "Guerra" appartiene senza dubbio alla seconda categoria. Non è un'opera facile, né vuole esserlo. È un'esplosione di materia e colore che cerca di dare una forma a una delle esperienze umane più devastanti: il conflitto. In questa analisi del quadro, voglio guidarvi attraverso il suo simbolismo, esplorando come una tela possa diventare il campo di battaglia sia del mondo esterno che della nostra interiorità.

L'impatto visivo è immediato e violento. L'opera è dominata da un rosso profondo, stratificato, che evoca sangue, rabbia, fuoco. Non è un colore piatto, ma un vortice di sfumature che crea uno sfondo caotico e instabile. Su questo palcoscenico di pura emozione, si stagliano pochi, ma potentissimi, elementi simbolici.

Anatomia di un Conflitto: L'Analisi dei Simboli

Per comprendere appieno il significato di questa pittura astratta, dobbiamo scomporla nei suoi elementi chiave, come un generale che analizza una mappa strategica.

1. La Cicatrice Bianca: Una linea diagonale, spessa e materica, taglia la tela in due. Non è una linea pulita; è una ferita, una cicatrice. La sua consistenza ruvida e quasi gessosa la fa sembrare una trincea scavata nella terra, un muro che divide due fazioni, o la scia accecante di un'esplosione. Rappresenta una divisione netta, un punto di non ritorno, una ferita che segna permanentemente il paesaggio (interiore o esteriore).

2. Il Bersaglio Nero: Nell'angolo in alto a destra, un cerchio e una "X" nera formano un bersaglio inequivocabile. È il simbolo più freddo e deliberato del quadro. Rappresenta l'intenzionalità della violenza, la disumanizzazione del nemico ridotto a un semplice target. Quel cerchio potrebbe essere un mondo, un'idea, una persona, una parte di noi stessi, "cancellata" dalla croce della negazione e dell'attacco.

3. Le Lacrime Blu: In netto contrasto cromatico con il rosso dominante, alcune macchie di un blu intenso appaiono come schizzi, quasi come proiettili di un colore inaspettato. Questo è il simbolismo del colore nella sua forma più potente. Se il rosso è la rabbia calda della battaglia, il blu è il dolore freddo e profondo che ne consegue. Sono le lacrime, i lividi, il trauma. Sono il costo emotivo del conflitto, la tristezza che emerge anche nel mezzo della furia.

La Guerra Interiore: Quando la Battaglia è Dentro di Noi

Se spostiamo l'interpretazione dal piano letterale a quello psicologico, "Guerra" diventa una mappa del nostro conflitto interiore. L'arte e la psicologia si fondono. Il campo di battaglia non è più all'esterno, ma dentro di noi.

• Il rosso è la rabbia, l'ansia, la lotta contro i nostri demoni.
• La cicatrice bianca è il trauma, la ferita psicologica che ci divide, che crea un "prima" e un "dopo".
• Il bersaglio nero può rappresentare l'autocritica feroce, l'auto-sabotaggio, quella parte di noi che prende di mira e cerca di annientare la nostra stessa felicità o autostima.
• E le lacrime blu sono i momenti di disperazione, gli attacchi di panico o di tristezza che ci colgono alla sprovvista durante la nostra guerra personale.

Il Processo Creativo: Dipingere per non Soccombere

Creare "Guerra" è stato un atto di catarsi. Come ho scritto nella mia poesia "Fermi", a volte si dipinge "tentando di non distruggere". Questo quadro ne è la prova più diretta. La stesura del rosso è stata violenta, quasi una lotta con la tela. La cicatrice bianca è stata un gesto di rottura, un solco scavato con forza. Il bersaglio nero è stato l'ultimo atto di una condanna. Infine, le macchie di blu sono state gettate sulla tela con un gesto di resa, quasi di sfinimento.

L'arte come catarsi permette di espellere queste emozioni distruttive, di dar loro una forma e uno spazio al di fuori di noi, per poterle finalmente guardare in faccia senza esserne sopraffatti.

-Mia.

Ti Voglio Bene

Ti volti,

oltre la vetrina 

inventi qualcos’ altro

mentre il mondo si veste

ed io torno a me.

Distanza e il Ritorno a Sé

"Ti voglio bene" è una delle frasi più calde e intime della nostra lingua. La associamo alla vicinanza, all'affetto, a un legame che unisce. Ma cosa succede quando questo sentimento profondo viene esplorato non in un abbraccio, ma in un momento di silenziosa distanza? La mia poesia "ti voglio bene" nasce proprio da questa domanda, dal tentativo di catturare una forma d'amore più sottile e forse più complessa.

In soli cinque versi, si dipana una scena che è al tempo stesso un gesto quotidiano e un profondo evento emotivo. Analizziamola passo dopo passo.

Il Gesto della Separazione: "Ti volti, oltre la vetrina"

Il primo verso è un'azione semplice e definitiva: "Ti volti". È la rottura di uno sguardo condiviso, l'inizio di una divergenza. La seconda riga, "oltre la vetrina", aggiunge una complessità straordinaria. La "vetrina" è un simbolo potente. È una barriera trasparente: separa un "dentro" da un "fuori", uno spazio privato da uno pubblico. È anche una superficie che riflette.

La persona a cui ci si rivolge non si limita a guardare la vetrina (il superficiale, il riflesso), ma guarda "oltre". Sta cercando, o forse già vedendo, qualcosa che si trova al di là del presente condiviso con il poeta. Questo gesto segna l'inizio di un allontanamento non solo fisico, ma anche mentale ed esistenziale.

La Creazione di un Altrove: "Inventi qualcos'altro"

Questo è forse il verso più potente della poesia. L'altra persona non sta semplicemente "facendo" o "guardando" qualcos'altro. Sta "inventando". Il verbo "inventare" implica un atto creativo, una scelta consapevole, la costruzione di una nuova narrazione, di una nuova realtà.

Non c'è giudizio in questa osservazione. C'è la presa di coscienza che l'altro sta attivamente costruendo un percorso, un mondo, che non include più, o non più allo stesso modo, il poeta. È il riconoscimento dell'individualità e della libertà altrui, anche quando questa libertà crea una distanza emotiva.

Il Contesto e la Risoluzione: "Mentre il mondo si veste ed io torno a me"

Gli ultimi due versi forniscono la cornice e la conclusione emotiva. "Mentre il mondo si veste" è un'immagine meravigliosa. Suggerisce il mattino, l'inizio della giornata, la vita che continua con la sua routine indifferente. Il mondo va avanti, la gente esce, le attività riprendono. Questo contrasto tra il macrocosmo della vita pubblica e il microcosmo di questo silenzioso addio ne amplifica l'intimità e la delicatezza.

E poi, la risoluzione del poeta: "ed io torno a me". Di fronte all'altro che "inventa" il suo mondo, il poeta non si aggrappa, non supplica, non si arrabbia. Compie un movimento speculare e contrario: un ritorno. Un ritorno a se stessi. È un atto di profonda crescita personale. Nel momento in cui si accetta pienamente la libertà dell'altro di andare per la sua strada, si è quasi costretti a ritrovare il proprio centro, la propria individualità non più definita dalla relazione.

Il titolo, "ti voglio bene", a questo punto, assume il suo significato più puro. Non è un "ti voglio" possessivo. È un "voglio il tuo bene" così autentico da accettare la distanza, la separazione, e da trovare in questo atto di amore maturo la forza per riscoprire sé stessi. È la dimostrazione che a volte amare significa lasciare andare. 

~Mia.

Mitra

Esplosione tra Action Painting e Guerra Interiore

L'arte ha il dovere di esplorare ogni angolo dell'esperienza umana, anche quelli più scomodi, violenti e caotici. La mia opera "Mitra" nasce da questa urgenza: dare una forma visibile all'energia dirompente, alla raffica, all'impatto. Il titolo è una dichiarazione d'intenti, una chiave di lettura che trasforma una tela di pittura astratta gestuale in un campo di battaglia. In questa analisi del quadro, vi invito a seguirmi nel decifrare la grammatica di questo caos controllato.

A prima vista, l'opera è un'esplosione di colore che ricorda lo stile dell'Action Painting di Jackson Pollock. La tela non è semplicemente dipinta, ma è diventata il ricettacolo di un'azione fisica: il colore è stato lanciato, gocciolato, schizzato. C'è un senso di immediatezza, di velocità, di un evento catturato nel suo momento culminante. Ma è il titolo, "Mitra", a guidare la nostra interpretazione oltre la pura estetica.

La Balistica del Colore: La Tela come Campo di Battaglia

La prima, più letterale, interpretazione vede l'opera come la rappresentazione di un conflitto a fuoco.

• Le Traiettorie: Le linee nere e sottili che attraversano la tela sono le traiettorie impazzite dei proiettili. Non seguono una logica, ma creano un reticolo di violenza che non lascia scampo.
• Gli Impatti: Ogni schizzo di colore (rosso, giallo, blu, nero) è un impatto. Il rosso è il sangue, il giallo il lampo dell'esplosione, il blu forse il freddo metallo delle armi o un livido, il nero il fumo e la distruzione. La tela è crivellata di colpi, testimone silenziosa di una violenza inaudita.
• L'Epicentro: Al centro-destra, una massa densa e scura di colore rappreso, prevalentemente rosso e nero, spicca sul resto. È il punto di impatto principale, la ferita più grave, il cuore dell'esplosione. La sua consistenza materica, quasi un grumo di vernice solida, gli conferisce un peso e una drammaticità unici. È il centro di gravità della violenza del quadro.

La "Mitra" Metaforica: Raffiche di Emozioni e Parole

Ma la guerra non è sempre combattuta con le armi. L'arte e la psicologia ci insegnano che le battaglie più feroci sono spesso quelle interiori. "Mitra" diventa allora la metafora di altre forme di raffica.

• Una Raffica di Parole: Il quadro può rappresentare la violenza di un litigio, una discussione feroce dove le parole diventano proiettili, ferendo e lasciando segni indelebili. Ogni schizzo è un'accusa, un'offesa, un urlo.
• Una Raffica di Emozioni: "Mitra" può essere la perfetta visualizzazione di un attacco di panico o di un'ansia travolgente. Il caos interiore prende il sopravvento, i pensieri si accavallano veloci e incontrollabili come una sventagliata di mitra, lasciando la mente crivellata e sfinita. È la rappresentazione dell'essere sopraffatti.

Creazione Esplosiva: L'Artista come "Mitra"

Esiste una terza via interpretativa, che vede l'artista non come vittima della raffica, ma come la fonte stessa. In quest'ottica, l'atto creativo diventa un'esplosione. L'artista non dipinge con calma e riflessione, ma "spara" il colore sulla tela in un impeto di creazione esplosiva.

Il gesto diventa una liberazione, una catarsi. L'energia accumulata viene rilasciata in modo potente e quasi violento, ma per dare vita a qualcosa di nuovo. L'artista è la "mitra", la vernice è la munizione, e la tela è il mondo che viene creato da questa forza primordiale.

In definitiva, "Mitra" è un'opera polisemica che vive della tensione tra distruzione e creazione. Racconta di come la stessa energia possa ferire o dare vita, di come il caos possa essere terrificante o, se incanalato, incredibilmente generativo.

~Mia.

Empio

Lei ricorrente 

una scogliera

tumulti scostanti

improvvisi irriverenti

giorni riparatori

di gracile agonia.

Sacralità Profana del Dolore

Nella mia ricerca artistica, sono affascinato dalle parole che possiedono una dualità, un'ombra. "Empio" è una di queste. Evoca la profanazione, la violazione di qualcosa di sacro. Ho scelto questo titolo, quasi come una provocazione, per una poesia che parla di un'emozione ricorrente, di un tumulto interiore e di una strana, fragile guarigione. È un tentativo di esplorare la natura quasi sacrilega di un dolore che diventa un'abitudine.

A prima vista, la poesia descrive una forza della natura, una scogliera battuta da tumulti. Ma chi è "Lei"? E perché la sua presenza è "empia"?

"Lei": Una Presenza Immobile e Ricorrente

Il primo verso introduce subito il soggetto: "Lei ricorrente". Potrebbe essere una persona, un ricordo, un'emozione, forse la malinconia o l'ansia. Il fatto che sia "ricorrente" ci dice che non è un evento isolato, ma una presenza costante, un ciclo.

Il secondo verso la definisce con un'immagine potentissima: "una scogliera". "Lei" non è un'onda passeggera, ma qualcosa di solido, di antico, di immutabile. È una presenza massiccia contro cui si infrangono i "tumulti". La scogliera è sia ciò che subisce l'impatto, sia ciò che resiste, impassibile. Questa immagine suggerisce una forza stoica, ma anche una condanna all'immobilità di fronte al caos.

La Natura del Tumulto: "Scostanti, Improvvisi, Irriverenti"

Se "Lei" è la scogliera, i "tumulti" sono le onde del mare, o più metaforicamente, le crisi emotive che la colpiscono. La loro descrizione è precisa e tagliente. Sono "scostanti", ovvero incostanti, imprevedibili. Sono "improvvisi", arrivano senza preavviso. E soprattutto, sono "irriverenti".

Quest'ultimo aggettivo è fondamentale. L'irriverenza implica una mancanza di rispetto per l'ordine, per la pace, per la sacralità. Questi tumulti non hanno riguardo per la quiete della scogliera, la invadono senza permesso, in modo quasi blasfemo. Ecco che iniziamo a capire il legame con il titolo "Empio". Il caos che profana la quiete.

La Guarigione Paradossale: "Giorni Riparatori di Gracile Agonia"

Gli ultimi due versi sono i più complessi e struggenti, un vero e proprio ossimoro che racchiude il significato della poesia. Dopo la tempesta dei tumulti, arrivano i "giorni riparatori". C'è un tentativo di guarigione, di ricostruzione. Ma come avviene questa riparazione? Attraverso una "gracile agonia".

La guarigione non è una gioia solare, non è una liberazione. È un processo lento, fragile ("gracile"), e doloroso ("agonia"). È un paradosso potentissimo: si guarisce rimanendo in uno stato di sofferenza. L'agonia stessa diventa il materiale con cui si "ripara" il danno. Ci si abitua a un dolore di bassa intensità, lo si accetta come condizione per la sopravvivenza.

È questa normalizzazione del dolore, questa accettazione di un'agonia "riparatrice", a essere "empia". È la profanazione dell'idea stessa di felicità e benessere. Si profana la speranza di una guarigione completa, accontentandosi di una sopravvivenza dolente. L'elaborazione del dolore diventa un limbo perpetuo.

"Empio", quindi, non è il tumulto in sé, ma la rassegnazione a una vita dove la quiete è solo una "gracile agonia". È un'opera che esplora la complessa psicologia della resilienza, mostrando come a volte, per non spezzarci, siamo costretti a profanare la nostra stessa idea di felicità.

~Mia.

Liberi di Volare … Due …

Evasione

Cosa significa essere liberi? E cosa resta dopo una lotta per conquistare la propria libertà? La mia opera "Liberi di volare" nasce da queste domande, ma soprattutto dall'ispirazione proveniente dal mondo dell'escapologia, l'arte della fuga resa celebre da maestri come Houdini. In questa analisi del quadro, vi invito a guardare questa gabbia vuota non come un simbolo di prigionia, ma come il palcoscenico di una trionfale evasione.

A prima vista, l'opera presenta un paradosso: un titolo che parla di volo e un'immagine che raffigura una gabbia. Ma è proprio in questo contrasto che risiede la sua forza. La protagonista non è la creatura che è fuggita, ma la gabbia stessa, testimone silenziosa di una prigionia passata e, soprattutto, di una libertà conquistata.

L'opera è divisa visivamente e concettualmente in due parti.

1. La Gabbia: È dipinta con colori scuri, terrosi. Marroni, neri e rossi che evocano il peso, la ruggine, la durezza della materia. La sua struttura è solida, le sbarre sono fitte e irregolari, suggerendo un confinamento lungo e opprimente. La base, quasi un cesto intrecciato di oscurità, rappresenta le fondamenta di questa prigione, ciò che teneva ancorati a terra. È il simbolo di tutto ciò che ci limita: una situazione, una relazione, una paura, o le nostre stesse barriere mentali.

2. Lo Sfondo: Dietro e attraverso le sbarre, il mondo esplode in un caos vibrante di colori. È una raffica di pennellate astratte – blu, bianchi, rossi – che rappresentano la vita stessa. Non è un cielo sereno e pacifico quello che attende fuori, ma il flusso frenetico, imprevedibile e meraviglioso dell'esistenza. Questa non è la libertà della quiete, ma la libertà di partecipare al caos, di tuffarsi nel "rumore" del mondo.

L'ispirazione a un'"azione escapologica" è fondamentale per comprendere l'opera. Non stiamo parlando di una porticina lasciata aperta per caso. Stiamo parlando di uno sforzo deliberato, di un atto di intelligenza e di volontà per forzare le sbarre e spezzare le catene.

Questo quadro non celebra la libertà come un dono, ma come una conquista. I rossi sulla gabbia non sono solo ruggine, ma possono essere visti come il simbolo del sangue e del sudore versati nella lotta. L'arte dell'evasione richiede astuzia, perseveranza e un desiderio di libertà così potente da superare ogni ostacolo. È la differenza tra l'essere liberati e il liberarsi da soli. Questa opera celebra la seconda opzione.

Una volta avvenuta la fuga, la gabbia non scompare. Rimane lì, vuota, come un monumento. È il trofeo che testimonia la vittoria. Guardarla non suscita tristezza per la prigionia passata, ma orgoglio per la forza che ci è voluta per evadere.

L'opera cattura l'istante immediatamente successivo alla liberazione. L'aria vibra ancora dell'energia della fuga. La gabbia è la prova tangibile del nostro passato, un promemoria di ciò che abbiamo superato. E ci insegna che la vera libertà non significa cancellare le nostre cicatrici, ma guardarle come la mappa che ci ha condotto dove siamo ora.

"Liberi di volare" è quindi un inno alla resilienza umana, alla nostra capacità di spezzare le catene, siano esse fisiche o psicologiche, e di abbracciare la vita in tutta la sua meravigliosa e caotica complessità.

~Mia.