Riverbero

Lo strascico
d’ un profilo che s’ illumina
di bronzato
e nutri un’ energia
di cui forse mai nessuno si sia accorto.
Forse gemelli
o forse fatalità,
quell’ energia la vedo
e sarebbe bello.

L'Eco Segreta di un'Anima Luminosa

La poesia, nella sua essenza più pura, è un tentativo di dare voce all'ineffabile, di catturare le sfumature più sottili dell'esistenza e di renderle visibili al lettore. La mia poesia "Riverbero" nasce proprio da questa profonda esigenza: quella di illuminare una percezione, un'intuizione, un'energia che spesso rimane celata, eppure palpabile per chi sa guardare oltre il visibile.

I versi iniziali – "Lo strascico / d’ un profilo che s’ illumina / di bronzato" – ci introducono immediatamente in un'atmosfera quasi eterea, dove il visibile si fonde con l'invisibile. Lo "strascico" evoca un passaggio, un'eco lasciata da qualcosa o qualcuno, un'impronta fugace ma significativa. Non è un'immagine statica, ma dinamica: un profilo che non è solo presente, ma che si manifesta attraverso la luce, tingendosi di "bronzato". Questa sfumatura non è solo un colore, ma un'aura, un calore, una dignità che avvolge la figura, rendendola quasi mitica o preziosa. È l'illuminazione di una caratteristica, un dettaglio che emerge e cattura l'attenzione, suggerendo una profondità che va oltre l'apparenza fisica.

Il cuore della poesia pulsa nei versi successivi: "e nutri un’ energia / di cui forse mai nessuno si sia accorto." Qui la mia attenzione si sposta dall'esteriorità del "profilo" all'interiorità, a quella forza vitale, a quella scintilla che dimora in ogni individuo, spesso inosservata dal mondo esterno. È un'energia sottile, forse silenziosa, ma profondamente radicata. Questo "nutrire" suggerisce un processo intimo, una crescita interiore, un accumulo di potenza che non viene ostentata, ma conservata gelosamente. La consapevolezza che "nessuno si sia accorto" di questa energia aggiunge un senso di solitudine, ma anche di mistero, quasi a proteggere la sua purezza da sguardi distratti. È un'energia che esiste a prescindere dal riconoscimento altrui, rendendola ancora più preziosa e autentica.

I versi successivi introducono un elemento di profonda riflessione sulla connessione umana e sul destino: "Forse gemelli / o forse fatalità, / quell’ energia la vedo". La domanda "Forse gemelli / o forse fatalità" non cerca una risposta razionale, ma esplora il mistero delle affinità elettive, delle connessioni inspiegabili che talvolta si creano tra le persone. È un'interrogazione sull'origine di un legame: è una somiglianza innata (gemelli), un'anima affine, o è il corso ineluttabile degli eventi (fatalità) che porta a riconoscere ciò che gli altri non vedono?

E poi la rivelazione centrale: "quell’ energia la vedo". Questo è il fulcro della poesia, l'affermazione di una percezione acuta e sensibile. Il "vedo" non è solo un atto fisico, ma un atto di comprensione profonda, di sintonia, di riconoscimento di un'essenza. È la capacità di cogliere l'invisibile, di percepire la vera luce di un'altra persona al di là delle apparenze. È un'esperienza che va oltre la superficie, un'immersione nell'anima dell'altro.

La poesia si chiude con una nota di desiderio e di bellezza intrinseca: "e sarebbe bello." Questa conclusione, apparentemente semplice, racchiude un mondo di significato. Non è un'affermazione di certezza, ma un'espressione di speranza, di aspirazione. Il "sarebbe bello" suggerisce che la visione di questa energia nascosta è un'esperienza rara, preziosa, forse non sempre corrisposta o riconosciuta universalmente. Ma il solo fatto di poterla vedere, di poter percepire questa autenticità e questa forza interiore in un altro, è di per sé un'esperienza di grande valore e bellezza. È il desiderio che questa percezione sia condivisa, che il riconoscimento di quell'energia porti a una connessione profonda, rendendo il mondo un luogo più ricco di comprensione e di autenticità.

"Riverbero" è, in fondo, un inno alla capacità di guardare con il cuore, di riconoscere la luce interiore negli altri e di celebrare quelle connessioni che, sia per affinità che per destino, ci permettono di scoprire le energie più segrete e meravigliose che pulsano intorno a noi.

~Mia.

Risposta Prematura

~Mia.

La destrutturazione del pensiero di fronte a una risposta artistica prematura può manifestarsi attraverso una serie di reazioni. Inizialmente, l'osservatore potrebbe trovarsi di fronte a un'opera d'arte senza avere il tempo di elaborare una risposta complessa. Questo può generare una sorta di "vuoto mentale", in cui il cervello cerca freneticamente di dare un significato o una interpretazione all'opera, ma incontra difficoltà a farlo in modo approfondito.

La prematurità della risposta artistica potrebbe anche impedire la piena fruizione dell'opera, poiché l'individuo potrebbe sentirsi costretto a formulare giudizi superficiali o affrettati senza approfondire la comprensione. La mancanza di tempo per riflettere e contemplare può portare a una debolezza nella connessione emotiva o intellettuale con l'opera stessa.

Inoltre, la destrutturazione del pensiero potrebbe manifestarsi attraverso una frammentazione delle idee. L'osservatore potrebbe essere sovraccarico da una moltitudine di stimoli artistici senza la possibilità di organizzare e collegare in modo significativo tali elementi. Ciò potrebbe generare un senso di confusione e frustrazione, poiché l'individuo si trova in una situazione in cui il suo pensiero non può evolvere organicamente.

La risposta prematura potrebbe anche limitare la profondità dell'analisi critica, poiché l'osservatore potrebbe accontentarsi di interpretazioni superficiali o stereotipate. Questo fenomeno può portare a una percezione superficiale dell'arte, privando l'individuo dell'opportunità di scoprire strati più profondi di significato e di apprezzare appieno la complessità dell'opera.

Frastaglio

Il cielo diurno si dipinge con pennellate di azzurro intenso, frastagliato da nuvole bianche come dipinti astratti sospesi nell'etere. La luce del sole filtrata attraverso le nuvole tessono ombre mutevoli sulla terra sottostante, creando un quadro celeste in costante evoluzione.

L'Ispirazione: Il Cielo tra Consapevolezza e Sogno

Il cielo diurno si dipinge con pennellate di azzurro intenso, frastagliato da nuvole bianche come dipinti astratti sospesi nell'etere. La luce del sole filtrata attraverso le nuvole tessono ombre mutevoli sulla terra sottostante, creando un quadro celeste in costante evoluzione. Questa descrizione iniziale del tuo post è la chiave per comprendere l'opera. "Frastaglio" nasce dall'osservazione di quei momenti in cui il cielo non è solo uno sfondo, ma un'opera d'arte in sé, mutevole e dinamica. Ho voluto tradurre sulla tela la sensazione di quel "frastaglio", non solo come interruzione visiva delle nuvole, ma come l'intersecarsi di pensieri, emozioni e percezioni che fluttuano nella nostra mente, proprio come le nuvole. È un azzurro che non si limita a essere un colore, ma diventa uno spazio, una profondità in cui perdersi e ritrovarsi.

Il Processo Creativo: Texture, Vibrazioni e Profondità

La scelta dell'acrilico, con la sua versatilità, mi ha permesso di esplorare le infinite gradazioni dell'azzurro. Ho lavorato con stratificazioni successive, applicando il colore con spatole e pennelli per creare texture che richiamassero la densità e la leggerezza delle nuvole, ma anche il movimento delle correnti d'aria. L'intento era quello di dare vita a una superficie che, pur essendo astratta, potesse evocare la sensazione tattile e visiva di un cielo in continua trasformazione. Le "pennellate di azzurro intenso" sono state create con l'obiettivo di generare una vibrazione, un'energia che irradia dalla tela, invitando l'occhio a esplorare ogni anfratto, ogni sfumatura.

Il concetto di "frastaglio" si manifesta anche nelle variazioni tonali e nelle interruzioni visive all'interno dell'azzurro stesso. Non è un blu piatto, ma un'esplosione di tonalità che vanno dal ciano più brillante a sfumature più profonde, quasi violacee in alcuni punti, suggerendo la presenza di strati atmosferici, di velature o di squarci di luce. Questo dinamismo cromatico è essenziale per trasmettere l'idea di un cielo vivo, che respira e muta momento dopo momento.

Oltre la Rappresentazione: Il Cielo Interiore

"Frastaglio" va oltre la semplice riproduzione del cielo esterno; è una metafora del nostro cielo interiore. Le "nuvole bianche come dipinti astratti" possono rappresentare i nostri pensieri, le idee, i sogni che fluttuano nella mente, a volte chiari e definiti, altre volte indistinti e mutevoli. La "luce del sole filtrata" simboleggia la consapevolezza, l'intuizione che illumina i nostri percorsi, creando "ombre mutevoli" – le incertezze, le sfide – che danzano sulla "terra sottostante", la nostra realtà concreta.

L'opera è un invito alla contemplazione, a fermarsi per un istante e a connettersi con la vastità che ci circonda, sia essa quella del cielo sopra di noi o quella del nostro universo interiore. È un promemoria della bellezza intrinseca del cambiamento, dell'eleganza con cui la natura si evolve, e di come anche i "frastagli" della vita possano comporre un quadro di straordinaria armonia. "Frastaglio" è, in definitiva, una celebrazione della bellezza transitoria, dell'immensità che ci abita e che ci circonda, un invito a trovare la poesia nel respiro continuo dell'esistenza.

~Mia.

Monstera

 

~Mia.

La Monstera, maestosa presenza nel regno vegetale, si staglia con eleganza nell'ambito delle piante più affascinanti. Le sue foglie, una sinfonia di verde, si dispiegano come opere d'arte in un museo naturale. La natura stessa sembra essere un abile artista che ha plasmato ogni dettaglio con cura. Osservandola, nella sua forma straordinaria, si intrecciano linee e curve con un'armonia geometrica, trasmettendo una sensazione di perfezione artistica che sfida la casualità dell'evoluzione. Il suo caratteristico aspetto perforato, come se fosse attraversato da pennellate di luce dona alla un'atmosfera eterea. Ogni buco nelle foglie sembra un varco verso un mondo segreto, un invito a esplorare l'ignoto. Nel susseguirsi delle stagioni, si trasforma in una tela in continua evoluzione, dipingendo un paesaggio mutevole nel giardino della vita. Questa capacità camaleontica rende ogni osservazione un'esperienza nuova, come contemplare un dipinto che si trasforma con la luce del giorno. La presenza imponente, sembra suggerire una narrativa di crescita e rigenerazione. Ogni nuova foglia che si sviluppa è un capitolo nella storia della sua esistenza, una pagina scritta con il linguaggio universale della vita. La sua forma robusta e al tempo stesso delicata riflette la dualità di forza e vulnerabilità che caratterizza la natura stessa.

In conclusione, la Monstera si erge come una scultura vivente nel giardino dell'arte naturale. Con la sua bellezza unica e la sua storia scritta nei dettagli delle foglie, questa pianta offre un'esperienza estetica che va al di là della mera osservazione botanica. È un'opera d'arte in sé, una poesia visiva che celebra la ricchezza della diversità nel vasto panorama della natura.

Sent

Pensieri Destinati ad Altre Realtà

Nel vasto universo delle emozioni e dei pensieri umani, esistono interi mondi che rimangono inesplorati, parole mai pronunciate, messaggi che non raggiungono mai il loro destinatario. Il mio schizzo, o forse sarebbe più appropriato dire la mia visione dipinta, intitolata "Sent", nasce proprio da questa profonda riflessione: l'infinito flusso di pensieri destinati ad altre realtà, a persone lontane, a momenti passati o futuri, che poi, alla fine, decidiamo di tenere per noi. È un'opera che cerca di dare forma visibile a ciò che è intangibile, all'energia di un'intenzione che resta sospesa.

L'Ispirazione: Il Volo dei Pensieri Non Detto

L'idea alla base di "Sent" è scaturita dalla consapevolezza di quante volte tratteniamo una parola, un'emozione, un desiderio di comunicazione. C'è un'innata pulsione a connettersi, a esprimere, ma spesso ragioni profonde – la paura del giudizio, la distanza, la convinzione che il messaggio non verrebbe compreso o che non cambierebbe nulla – ci portano a interiorizzare quei flussi. Questi pensieri non spariscono, non si dissolvono nel nulla; essi assumono una propria esistenza, una sorta di "volo" interiore, dirigendosi verso quelle "altre realtà" che sono le nostre proiezioni, i nostri ricordi o i nostri desideri inespressi. "Sent" è il tentativo di visualizzare questa energia, questa tensione tra l'impulso a comunicare e la decisione di trattenere.

Il Linguaggio dei Colori: Un Ponte tra l'Anima e l'Etere

Il quadro è dominato da una palette di rosa intensi, viola profondi e bianchi luminosi, colori che evocano immediatamente un senso di spiritualità, di sogno, ma anche di intimità e vulnerabilità. I rosa vibranti creano un'atmosfera quasi onirica, un cielo carico di emozioni e sentimenti, quasi a voler rappresentare la natura stessa dei pensieri che fluttuano. I viola, con la loro profondità, suggeriscono il mistero e la complessità di queste realtà interiori, mentre i bianchi accendono squarci di luce, quasi a indicare la chiarezza dell'intenzione, pur se inespressa.

Al centro di questa esplosione cromatica, la figura alata emerge con delicatezza, quasi come un messaggero etereo o un angelo silente. La sua forma è definita ma non rigida, suggerendo fluidità e movimento. È l'incarnazione di quei pensieri, di quelle parole non dette, che prendono il volo non verso un destinatario esterno, ma verso un orizzonte interiore, un luogo dove possono esistere liberamente, senza la necessità di essere decifrati o giudicati. La sua postura, quasi in procinto di spiccare il volo o di planare dolcemente, evoca la sospensione, quel momento preciso in cui il messaggio è "inviato" (sent, appunto) ma non ancora ricevuto, o meglio, è stato destinato a un'altra dimensione.

Un Riflesso della Nostra Umanità Silenziosa

Con "Sent", invito l'osservatore a riflettere sulla propria esperienza di comunicazione inespressa. Quante volte abbiamo avuto qualcosa di fondamentale da dire, una verità da condividere, un affetto da manifestare, ma abbiamo scelto il silenzio? Questa opera vuole dare dignità a quei pensieri, a quelle intenzioni "sentite" ma non pronunciate, riconoscendone l'esistenza e la potenza anche nella loro forma più intima e privata.

Nonostante l'apparente solitudine di un messaggio non inviato, c'è una profonda bellezza in questa scelta. A volte, trattenere un pensiero è un atto di protezione, di saggezza, o semplicemente il riconoscimento che alcune cose sono destinate a rimanere tra noi e il nostro mondo interiore. "Sent" è un omaggio a questa complessità dell'animo umano, alla sua capacità di generare mondi di significato anche nel silenzio più profondo. È un'opera che parla della natura effimera ma potente delle nostre intenzioni, e del modo in cui esse continuano a vivere e a risuonare, anche quando non raggiungono le orecchie altrui, trovando la loro realtà nel nostro stesso essere.

~Mia.

Toni caldi

L'Energia Vibrante di un Paesaggio Emozionale

L'arte astratta ha il potere unico di comunicare direttamente con le emozioni, bypassando la necessità di una rappresentazione figurativa esplicita. La mia opera, intitolata semplicemente "Toni Caldi", nasce proprio da questa ricerca: quella di tradurre su tela una sensazione, un'atmosfera, un'energia che risuona con il calore, la passione e la vitalità. Non è una veduta riconoscibile, ma un'immersione in un'esperienza cromatica e tattile che mira a stimolare i sensi e l'immaginazione dell'osservatore.

Il Calore Che Abita il Cuore

Il titolo "Toni Caldi" è la chiave di lettura di quest'opera. Non si riferisce solo ai colori predominanti – gli arancioni vibranti, i gialli solari, i rossi terrosi – ma anche al calore intrinseco delle emozioni umane. Penso all'entusiasmo, alla gioia, alla passione, ma anche alla forza e alla resilienza che ci animano. Quest'opera è stata concepita in un momento in cui sentivo il bisogno di esprimere una carica positiva, una luce che potesse irradiare dalla tela e avvolgere chi la osserva. Immagino i caldi colori del tramonto o dell'alba, la luce che filtra attraverso le rocce o le nuvole, ma anche il calore del sole che nutre la terra, simbolo di vita e di energia inesauribile.

La parte superiore del dipinto, con le sue sfumature di arancione e giallo, rappresenta un orizzonte energetico, una fonte luminosa da cui tutto sembra emanare. Ho lavorato con pennellate ampie e strati sovrapposti per creare una transizione fluida tra i colori, suggerendo l'idea di un'espansione, di un'onda di calore che si propaga. Questa sezione è pensata per essere avvolgente, quasi a voler accogliere lo sguardo e trascinarlo in un'atmosfera di profonda intensità.

La parte inferiore del quadro è invece caratterizzata da un "frastaglio" di texture e volumi. Qui, i colori più scuri e le zone più chiare si alternano, creando un senso di profondità e di movimento. Questa sezione può essere interpretata in molti modi: potrebbe essere una cascata di lava incandescente che si solidifica, un paesaggio roccioso eroso dal tempo ma ancora intriso del calore del giorno, o persino le radici di un albero che si estendono nella terra, attingendo energia. Le pennellate sono qui più materiche, quasi scultoree, a voler evocare la concretezza della terra che accoglie e amplifica il calore che le scende addosso. Questa dualità tra la fluidità superiore e la densità inferiore crea una dinamica visiva che mantiene l'attenzione, invitando l'occhio a esplorare i dettagli e a scoprire le infinite sfumature nascoste.

"Toni Caldi": Un Inno alla Vitalità e alla Resilienza

"Toni Caldi" è, in ultima analisi, un'ode alla vitalità e alla capacità di risplendere anche nelle condizioni più complesse. L'opera suggerisce che anche quando il paesaggio sembra accidentato o le forme si fanno meno definite, l'energia e il calore persistono, trovando nuove vie per esprimersi. È un promemoria visivo che la forza e la passione possono emergere in molteplici forme, illuminando il cammino e nutrendo lo spirito. Spero che quest'opera possa infondere in chi la osserva un senso di energia positiva, un ricordo del calore che ci circonda e che risiede in noi, una fonte inesauribile di ispirazione e forza.

~Mia.

Muro …Quattro…

Oltre la Barriera Visibile

Nel mio ciclo pittorico dedicato al tema del "Muro", ogni opera rappresenta una nuova indagine sulle molteplici sfaccettature di questo simbolo. Non si tratta solo di una costruzione fisica, ma di un confine, una separazione, una barriera che può essere sia esterna che interna, visibile o invisibile. "Muro... Quattro...", in particolare, è una delle espressioni più vibranti e dinamiche di questa serie, un tentativo di visualizzare l'energia, la forza e la vita che pulsano incessantemente, anche in presenza di ostacoli.

Il Flusso Inarrestabile

L'ispirazione per "Muro... Quattro..." nasce dalla riflessione sulla natura dei "muri" che incontriamo nella vita: possono essere sfide personali, barriere sociali, pregiudizi, o persino le nostre stesse paure e limitazioni. Spesso, un muro è percepito come un punto di arresto, ma io lo vedo come una superficie su cui l'energia può scontrarsi, defluire, o persino creare nuove direzioni. Quest'opera vuole catturare proprio l'idea di un flusso inarrestabile, di una vitalità che si manifesta con prepotenza, noncurante dell'esistenza della barriera. È la rappresentazione visiva di quella resilienza intrinseca che ci spinge a trovare un varco, a superare l'ostacolo, o semplicemente a far fluire la nostra essenza nonostante tutto.

Colori che Rompono il Silenzio

A differenza di alcune delle opere precedenti della serie "Muro", che forse potevano esplorare le tonalità più cupe o la materialità grezza della barriera, in "Muro... Quattro..." ho scelto di abbracciare una palette cromatica esplosiva. Rossi ardenti, gialli luminosi, blu profondi e verdi vibranti si intrecciano in un'orgia di colori che sembrano danzare sulla tela. Le pennellate sono decise, quasi gestuali, seguendo traiettorie curve e parallele che suggeriscono un movimento costante, una forza direzionale. Ogni striscia di colore non è statica, ma carica di un'energia propria, quasi una corrente che si muove in un fiume di luce e materia.

Questo uso audace del colore serve a contrastare l'idea stessa di "muro" come ostacolo insormontabile. La vivacità delle tinte simboleggia la vita, la speranza, la determinazione. Il modo in cui i colori si sovrappongono e si lasciano intravedere l'uno attraverso l'altro crea un effetto di profondità e trasparenza, quasi a suggerire che il "muro" non è compatto e impenetrabile come appare, ma è attraversato da fessure, da spiragli attraverso cui l'energia può fluire. Le pennellate, pur essendo separate, si influenzano a vicenda, creando armonie e contrasti che richiamano la complessità delle interazioni che avvengono anche in presenza di barriere.

Un Inno alla Libera Espressione

Quest'opera è, in definitiva, un inno alla libera espressione e alla capacità umana di superare le avversità. Non si tratta di abbattere fisicamente il muro, ma di riconoscerne la presenza e, al tempo stesso, di affermare l'inesauribile energia che lo attraversa o che cerca vie alternative per manifestarsi. "Muro... Quattro..." ci invita a riflettere sui nostri "muri" personali e collettivi, e a trovare il coraggio di lasciar fluire la nostra autenticità, la nostra creatività, la nostra passione, anche quando il mondo sembra porci dei limiti. È un promemoria visivo che la vita è un flusso continuo, e che anche le barriere possono diventare parte di un paesaggio più grande, trasformandosi in superfici su cui dipingere nuove direzioni e nuove possibilità. L'opera suggerisce che la vera libertà non è l'assenza di confini, ma la capacità di esprimere la propria essenza nonostante essi.

~Mia.

Filtro …Quattro…

 

La Complessità del Passaggio e della Selezione

C'è una costante ricerca nel dare forma a concetti astratti, a quelle dinamiche invisibili che regolano la nostra percezione della realtà. La serie "Filtro" nasce proprio da questa indagine: come percepiamo, come elaboriamo e come lasciamo passare ciò che ci circonda. "Filtro... Quattro..." è una delle espressioni più intense di questa serie, un'opera che esplora la natura della selezione, del velamento e della trasparenza, non solo a livello visivo, ma anche emozionale e concettuale.

L'idea alla base di "Filtro... Quattro..." proviene dalla riflessione sul ruolo dei "filtri" nella nostra vita. Pensiamo ai filtri fisici che purificano, che separano il puro dall'impuro; ma anche ai filtri mentali ed emotivi che applichiamo costantemente: le nostre esperienze passate, le nostre convinzioni, le nostre aspettative. Essi influenzano ciò che percepiamo, ciò che tratteniamo e ciò che lasciamo andare. Quest'opera è un tentativo di visualizzare questo processo complesso: come la realtà si presenta a noi attraverso strati di interpretazione, come alcune informazioni ci raggiungono in modo chiaro, mentre altre rimangono velate o vengono completamente bloccate. È una meditazione su ciò che permettiamo di entrare nella nostra consapevolezza e su ciò che, consapevolmente o inconsapevolmente, escludiamo.

La scelta di una palette quasi monocromatica, dominata dalle sfumature di grigio, bianco e nero, non è casuale. Il bianco e nero, o il grigio nelle sue infinite tonalità, eliminano la distrazione del colore, costringendo l'occhio a concentrarsi sulla texture, sulla luce e sull'ombra, elementi essenziali per evocare l'idea di un filtro. L'assenza di colore diretto permette all'osservatore di proiettare le proprie emozioni e interpretazioni sull'opera, rendendola una tela su cui il subconscio può disegnare i propri significati.

La composizione è caratterizzata da bande orizzontali sovrapposte, ognuna con una texture e una densità diverse. Alcune bande sono più chiare e quasi trasparenti, suggerendo un passaggio agevole, una chiarezza nella percezione. Altre sono più scure, più dense, quasi materiche, evocando l'idea di una barriera più spessa, di un blocco o di una distorsione. Queste variazioni creano un ritmo visivo, una sorta di "respiro" che invita l'occhio a muoversi lungo la tela, esplorando i diversi livelli di permeabilità. Le piccole "bolle" o rilievi sulla superficie aggiungono un ulteriore strato di complessità, quasi come impurità che vengono trattenute, o come informazioni che cercano di farsi strada attraverso il filtro. Il processo stesso di pittura ha mirato a replicare l'idea di stratificazione e di sedimentazione, proprio come i pensieri e le esperienze si accumulano e si "filtrano" dentro di noi.

"Filtro... Quattro..." è un'opera che invita alla riflessione sulla natura della verità e della percezione. Ogni strato rappresenta una dimensione diversa della realtà, o una diversa modalità di elaborazione. Ci spinge a chiederci: cosa stiamo lasciando passare? Cosa stiamo bloccando? Quanto di ciò che vediamo è la realtà oggettiva e quanto è filtrato dalle nostre stesse lenti interiori? L'opera suggerisce che la nostra comprensione del mondo non è mai diretta, ma sempre mediata, interpretata attraverso una serie di "filtri" invisibili ma potenti.

È un promemoria visivo che la trasparenza e l'opacità coesistono, e che la bellezza può essere trovata anche nelle sfumature del grigio, nelle intersezioni tra luce e ombra. "Filtro... Quattro..." è una celebrazione della complessità del nostro sistema percettivo e un invito a esplorare le proprie lenti, a comprendere come esse influenzano la nostra visione del mondo e le nostre interazioni con esso. Un'opera che, pur nella sua apparente semplicità cromatica, si rivela profondamente concettuale e stimolante.

~Mia.

Corpo …Due…

L'Anima Inscritta nella Materia e nel Colore

Nel mio percorso artistico, l'esplorazione del "corpo" va ben oltre la mera rappresentazione anatomica. La serie "Corpo" è un'indagine sulla sua essenza, sulla sua relazione con l'ambiente circostante, con le emozioni e con la dimensione spirituale. "Corpo... Due..." è una delle espressioni più intense e liriche di questa serie, un'opera che cerca di catturare la vitalità, la fragilità e la forza della presenza umana, non come entità statica, ma come un'energia in continua trasformazione, intrinsecamente legata al flusso della vita e dei sentimenti.

L'ispirazione per "Corpo... Due..." nasce dalla profonda consapevolezza che il corpo è molto più di un involucro fisico; è il veicolo attraverso cui esperiamo il mondo, un ricettacolo di sensazioni, emozioni, memorie e desideri. È il punto di incontro tra l'interiorità e l'esteriorità. Ho voluto rappresentare il corpo non in una posa statica o definita, ma in uno stato di fluidità e integrazione con il suo ambiente. È come se la figura umana fosse immersa in un turbine di vita, di sentimenti contrastanti – la gioia, il dolore, la passione, la calma – che si manifestano attraverso l'esplosione dei colori. La linea scura che emerge suggerisce una forma, una presenza, ma che non è rigida, bensì aperta, porosa, permeabile alle energie circostanti. È l'idea di un corpo che respira, che sente, che si fonde con l'universo che lo avvolge.

La palette cromatica di "Corpo... Due..." è un'esplosione di vita: i rosa carnali si mescolano ai gialli luminosi, ai blu profondi e ai rossi vibranti, creando un caleidoscopio di emozioni. Questi colori non sono applicati in modo piatto, ma con pennellate dense e materiche che creano texture e profondità. La gestualità è evidente: i tratti sembrano danzare sulla tela, simulando il movimento, il respiro, la pulsazione della vita. Ho cercato di non definire rigidamente i contorni della figura, ma di lasciarla emergere e dissolversi nel colore, suggerendo l'interconnessione tra l'essere e l'ambiente.

La figura, pur essendo stilizzata e quasi astratta, comunica una profonda umanità. La linea scura che delinea parzialmente una parte del "corpo" non è una barriera, ma piuttosto un accento, un modo per far emergere la presenza dalla pura astrazione del colore. Il corpo non è isolato, ma si intreccia con i vortici cromatici, quasi a voler comunicare che le nostre esperienze fisiche ed emotive sono inseparabili dal contesto in cui viviamo. L'uso di strati sovrapposti di colore contribuisce a questa sensazione di profondità e complessità, suggerendo che ogni individuo è un universo di sfumature, di luci e di ombre.

"Corpo... Due..." è un'ode alla complessità e alla bellezza dell'esistenza. Non è una rappresentazione idealizzata, ma una celebrazione del corpo come un'entità dinamica, un confine poroso tra l'io e il mondo. L'opera ci invita a riflettere su come le nostre emozioni e le nostre esperienze si manifestino fisicamente, e su come il nostro corpo sia costantemente in dialogo con l'ambiente che lo circonda.

La vita è un'esplosione di colori e sensazioni, e che ogni corpo, con le sue peculiarità e le sue storie, è un'opera d'arte in continua evoluzione. "Corpo... Due..." ci incoraggia a sentire, a vivere pienamente, a non temere la fluidità delle emozioni e a riconoscere la profonda bellezza che emerge quando ci permettiamo di essere parte integrante del vibrante flusso dell'esistenza. L'opera è un invito a celebrare la nostra presenza nel mondo, con tutte le sue sfumature e le sue intense manifestazioni.

~Mia.

Giorni …Tre…

 

Riflessi Cromatici

Oggi voglio condividere con voi un frammento della mia serie "Giorni", un percorso intimo e continuo che si snoda attraverso la tela, catturando l'essenza fluida e mutevole del tempo. Questo particolare dipinto, che vedete qui, è una delle tappe più significative di questo viaggio, un'esplorazione visiva che ho voluto intitolare, semplicemente, "Giorni...".

Ogni opera di questa serie nasce dal desiderio di immortalare l'impermanenza, di dare forma ai momenti che scivolano via, lasciando dietro di sé impronte indelebili sulla nostra percezione. Non si tratta di una cronaca fedele di eventi, ma piuttosto di un'interpretazione emotiva delle esperienze, delle sensazioni e degli stati d'animo che si susseguono, giorno dopo giorno.

Osservando la texture ricca e quasi tattile di questo quadro, spero riusciate a percepire il dinamismo che ho cercato di infondere. Ho lavorato con stratificazioni di colore, quasi a voler replicare la sedimentazione dei ricordi e delle emozioni che si accumulano nel corso del tempo. Ogni pennellata, ogni strato cromatico, non è casuale; è il risultato di un dialogo interiore, un tentativo di dare voce al non detto, al percepito.

La palette di colori che ho scelto per questa composizione non è meramente estetica, ma profondamente simbolica. Vedrete i toni scuri e profondi che si mescolano a esplosioni di luce, come il rosso vibrante e i gialli accesi che emergono dalla profondità. Questi contrasti cromatici rappresentano la dualità della vita: le ombre e le luci, le sfide e le gioie, la malinconia e la speranza che si alternano costantemente. I blocchi orizzontali di colore potrebbero evocare il succedersi inesorabile dei giorni, ognuno con la sua specifica atmosfera, la sua temperatura emotiva.

Il processo creativo dietro "Giorni..." è stato per me un atto di meditazione. Ho lasciato che il colore si esprimesse quasi autonomamente, guidato però da un'intenzione profonda. Non si tratta di un'opera puramente astratta nel senso più rigido del termine; piuttosto, la vedo come un'astrazione del sentire, una materializzazione delle vibrazioni interiori. Le linee e le forme che emergono sono il riflesso di un paesaggio emotivo, una mappa dell'anima che si evolve e si trasforma con il trascorrere delle ore e dei giorni.

Mi auguro che, osservando questo quadro, ognuno di voi possa trovare un pezzo dei propri "Giorni". Forse vi riporterà a un ricordo, a un'emozione particolare, o semplicemente vi inviterà a riflettere sulla bellezza e la complessità del vivere quotidiano. L'arte, per me, è un ponte tra l'io interiore dell'artista e l'anima del fruitore, un invito a guardare oltre la superficie e a connettersi con qualcosa di più profondo.

Grazie per aver dedicato il vostro tempo a esplorare con me questo frammento della mia arte. Spero di poter condividere presto altri "Giorni" con voi.

~Mia.

Muro …Tre…

Oltre l'Ostacolo, la Visione Completa

Quante volte nella vita ci troviamo di fronte a un "muro"? Non un muro fisico, fatto di mattoni e cemento, ma una barriera invisibile che sembra precludere la nostra visione, impedendoci di godere appieno del "panorama" che la vita ci offre. Oggi voglio presentarvi un'opera della mia serie intitolata, appunto, "Muro", un ciclo di lavori nato dalla profonda riflessione su questi momenti di fronteggiamento e sulle innumerevoli sfumature che possono assumere.

Questo dipinto, in particolare, incarna l'essenza stessa di quella battaglia interiore e, soprattutto, della successiva rivelazione. Ci sono stati momenti in cui sentivo il desiderio ardente di contemplare la bellezza del mondo, di assaporare la serenità di un orizzonte aperto, ma mi trovavo inspiegabilmente bloccata, con una sensazione di impedimento. È proprio in queste circostanze che nasce l'ispirazione per questa serie: l'idea che la vita, con le sue curve inaspettate e le sue apparenti interruzioni, a volte ci ponga dinanzi a degli ostacoli che sembrano insormontabili, oscurando la nostra prospettiva.

Osservate le forme che emergono in primo piano, queste "barriere" cromatiche. Non sono blocchi rigidi e invalicabili, ma piuttosto entità con una loro vitalità, quasi organiche. Ho scelto di dipingerle con colori intensi e stratificati – i rossi vibranti, i gialli luminosi, i verdi profondi, i blu sereni – per suggerire che anche ciò che percepiamo come un ostacolo non è mai privo di colore, di energia, di una propria complessa bellezza. Sono come delle presenze significative che si stagliano, ma non annullano, ciò che sta dietro.

La parte superiore del quadro, con le sue sfumature di azzurro e verde, rappresenta proprio quel "panorama" agognato, la vastità del cielo e la promessa di orizzonti aperti. Il contrasto tra il primo piano e lo sfondo è fondamentale: non c'è una netta separazione, ma una continuità, un'interazione. Questo è il cuore del messaggio che voglio trasmettere con "Muro": l'epifania che si verifica quando decidiamo non di abbattere l'ostacolo, ma di includerlo, di integrarlo nella nostra visione complessiva.

Vi è mai capitato di accorgervi che proprio quella difficoltà, quel limite apparente, in realtà definiva o arricchiva ciò che stavate guardando? Che senza quel "muro", forse, la prospettiva non sarebbe stata altrettanto unica, altrettanto significativa? Il mio processo creativo per questa serie è stato un viaggio personale verso questa consapevolezza. Invece di lottare contro la presenza di questi "ostacoli" sul mio cammino, ho imparato a riconoscerli, a dar loro spazio, e a scoprire come possano diventare parte integrante di un quadro più grande, talvolta persino contribuendo alla sua profondità e al suo carattere.

"Muro" è quindi un invito a riflettere sulla nostra capacità di adattamento, sulla resilienza dell'animo umano. È un promemoria che la vera bellezza non risiede nell'assenza di sfide, ma nella capacità di vedere la completezza, di godere del panorama con i propri ostacoli, riconoscendoli come parte integrante della nostra unica e irripetibile esperienza di vita. Spero che questa opera vi ispiri a guardare i vostri "muri" non come fine, ma come elementi che arricchiscono il vostro personale e meraviglioso panorama.

Grazie per essere qui e per aver condiviso con me questo momento di riflessione artistica.

~Mia.